Retours sur la soirée artistique “Métamorphes. Des rites de passage qui n’en finissent pas de passer”

Jeudi 26 janvier 2023 au Sample (Bagnolet), s’est tenue la première soirée artistique organisée par le Laboratoire Corps, genre, arts. “Métamorphes. Des rites de passage qui n’en finissent pas de passer” proposait de nous retrouver autour d’œuvres de performeureuses invité·es, dont le travail explore la notion de métamorphose en résonance avec les questions d’identité multiple, changeante, en construction permanente.

Fidèles à nos obsessions – elles-mêmes liées à nos trajectoires personnelles et militantes – et habité·es par nos lectures de Donna Haraway, ïan Larue, Paul B. Preciado… nous avons voulu réfléchir à la métamorphose pour visibiliser et célébrer les identités à la marge des normes binaires et étroites propres au patriarcat. Si nous changeons toustes en permanence, revendiquer une identité en mutation révèle le caractère absurde et relatif des statuts et conditionnements qui classent et hiérarchisent.

Dans le showroom du Sample, un espace rarement utilisé pour des représentations publiques, nous avons accueilli une centaine de spectateurices ayant assisté aux métamorphoses de Gral, Caroline Dejoie, Rose-Mahé Cabel et Damien Rouxel. En sous-texte dans chacune de leurs œuvres : un vieux monde déjà en train de mourir, la nécessité d’inventer autre chose, le besoin, le désir de (se) réinventer, de se fictionnaliser. 

Mémento : 

Inventer des contre-histoires.
Accepter l’hybridation.
Refuser d’être un tout. 
Démolir la pensée binaire. 
Ne pas craindre l’apocalypse. 
Muter sans promesse.¹

Curation par Caroline Dejoie, Emma Distel, Isaline Dupond Jacquemart, Asma Bousbai, et Samy Lagrange.

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Toustes rassemblé·es autour de la scène courbe et recouverte de moquette rouge, éclairé·es par des lumières douces éparpillées entre les chaises, on attend le début de la soirée. Gral, présence bienveillante et malicieuse, souhaite la bienvenue et fait sourire en proposant à chacun·e de piocher dans les sucreries entassées sur le plateau qu’ael tient devant ael. Le silence se fait lorsque Samy Lagrange annonce le début des festivités : ce soir auront lieu quatre métamorphoses, autant de “rites de passage qui n’en finissent pas de passer” qu’il présente comme une invitation à “muter sans promesse” selon la formulation d’ïan Larue à la fin de son Libère-toi Cyborg, inspiré des conseils de lectures sciences-fictionnelles de Donna Haraway.

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Caroline Dejoie rejoint la scène d’abord enveloppée d’une serviette de bain rose vif. Sa voix projetée annonce ce qui va suivre et appelle à ne pas se sentir intimidé·e : Tuto make-up pour devenir une chimère misandre est inspiré des vidéos-tutoriels de maquillage faites maison qui peuplent Youtube, Tiktok et les salles de bain d’inconnu·es. Tentative de sortie – de chez soi, de dépression, du placard, de croyances toxiques, de conditionnements mortifères et réducteurs… – il s’agira, sur le modèle des vidéos beauté, de préparer le corps et l’esprit à l’aide d’éléments variés tout en énonçant les propriétés (magiques) qu’on leur associe.

En reprenant la pratique du tuto make-up, triplement discréditée parce qu’associée au féminin, au selfcare et aux réseaux sociaux, Caroline Dejoie reclaim le maquillage comme pratique de métamorphose très littérale d’une part, et les plateformes numériques qui permettent la diffusion et la célébration de l’expertise de celleux qui en maîtrisent les codes². Jugés frivoles et inoffensifs, pourquoi ne pas considérer la misogynie qui les condamne d’une part, la subversion et la puissance potentielles qu’ils comportent d’autre part.

“If the men find out we can shapeshift, they’re going to tell the church” Contouring 101, Saylor Jay, 1:55

“Si les hommes découvrent que l’on peut changer de forme, ils vont le dire à l’Eglise”

C’est ici l’acte de se préparer qui est mis en scène. Montrer les coulisses, la tentative et le raté, les multiples recommencements avant de se sentir prêt·e à sortir, à se montrer et à exister dans le monde tel·le qu’on a envie d’être perçu·e, c’est prendre le risque de se montrer vulnérable.

Serviette rose retirée, corps nu exposé aux lumières tournantes et multicolores, un chant s’élève. Il viendra comme un refrain scander toute la performance et le texte enregistré qui la compose.

“My body is the living temple of love
My body is the body of the goddess
I am what i am” (Chanson de la déesse)

“Mon corps est un temple vivant de l’amour
Mon corps est le corps de la déesse
Je suis ce que je suis”

La voix de l’artiste prononce ici une heart song, apprise et chantée en mixité choisie dans son coven³. C’était annoncé dans l’introduction de la performance : ici la déesse est aussi cyborg. Et si l’idée de la déesse, tout comme les rituels où l’accent est mis sur le (self)care, peut être associée à des courants dits féministes mais en réalité essentialistes et/ou dépolitisés, le travail sur la voix – glitchée, déformée, parfois passée à l’envers – semble la transporter dans un contexte dé-binarisé propice aux dépassements et renversements.

Évoluant au sol pendant une partie de la performance, Caroline Dejoie, suivant les consignes énoncées par sa propre voix, s’empare un à un des éléments se trouvant devant elle : l’huile, le rouge à lèvres, le miel, la terre, les plumes. L’application sur le corps relève souvent de la caresse ou de l’automassage, parfois du jet ou du jeu. À chacun sont associées des propriétés issues du croisement de croyances magiques, politiques et personnelles, poétiquement explicitées dans le texte diffusé qui guide ses gestes.

À mesure que la performeuse applique les éléments sur son corps, celui-ci change sous les yeux des spectacteurices. Il y a une transformation concrète : le visage et les pieds couverts d’argile se colorent de vert, la bouche maquillée est grossie, les cheveux sont ébouriffés par le miel, et lorsque les plumes recouvrent en partie la peau collante de miel et d’huile, la métamorphose est visible. Mais le corps est aussi changé en idée, par l’effet du sortilège-poème prononcé et mis en gestes : les racines sous les pieds ont poussé, les adelphes rassemblé·es aident à flotter, la peau chauffée par l’huile glisse et reflète dans l’obscurité, une deuxième tête a surgi, le visage paré est immense, le masque déborde des frontières auparavant tangibles.

Un détour par une liste d’insultes misogynes dérivées de noms d’oiseaux (salope par exemple, issu d’une comparaison des femmes à la huppe, oiseau réputé sale) replace Tuto make-up dans une histoire des représentations de la femme-oiseau ou de la femme à l’oiseau⁴, thème de prédilection de l’artiste. Prédite par le titre et assemblée tout au long de la performance, une autre figure, proche, apparaît : la chimère (misandre). Aux hybridations végétale – amorcée avec la terre – et animale – figurée par les plumes – se superpose l’hybridation monstrueuse, fantastique, proprement chimérique. À la fin de la performance, la sirène – dans sa version antique mi-femme mi-oiseau – est rejointe par la harpie, tandis que le corps augmenté de ses nouvelles parures se lève, se déploie et s’anime, faisant voler les plumes tout autour au rythme d’une autre liste, semblant infinie, celle de tout ce qui facilite, permet, renforce et sublime la métamorphose. Mêlée au chant de la déesse toujours plus déformé, transformé et bidouillé pour dire sa part queer et cyborg, la liste évidemment subjective fait la part belle aux codes propres aux communautés queers, célébrant les goûts, les usages, les pratiques, les joies, les modes de vies de toustes celleux qui, à force de répétitions, de gestes, de parures et de tutoriels, se métamorphosent en permanence.

Il n’est pas certain qu’une chimère misandre se tenait sur la scène rouge du Sample après ces quinze minutes de transformation progressive, plutôt douces. Au cœur de sa pratique, Caroline Dejoie place l’acceptation de sa propre vulnérabilité.

“Je montre ma vulnérabilité parce que je l’aime” Caroline Dejoie⁵

D’avantage que l’état final fantasmé, le devenir ambitieusement annoncé, l’artiste montre la tentative mille fois recommencée, l’état liminaire, la transformation en train d’advenir. Devenir une chimère misandre, c’est sortir des binarismes et des conditionnements étroits et étouffants qui définissent la féminité normée – et cela passe par des centaines de “tutoriels”, des gestes inlassablement répétés, des rituels et sortilèges maintes fois prononcés, un désapprentissage, une déconstruction/reconstruction permanente. C’est un processus qui demande du temps, parfois effrayant et douloureux, souvent difficile. Caroline Dejoie se montre en train de tenter de devenir autre chose que ce à quoi on a voulu la restreindre. Elle se montre aussi s’accordant le temps et les outils dont elle a besoin pour réaliser une telle transformation. Assumer la part de vulnérabilité propre à toute métamorphose, c’est cela aussi “muter sans promesse”.

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Gral circule entre les chaises, les lampes, les personnes et les chuchotements.

“Bonbons ! Bonbons ? Bonbons !”

Ael incarne une serveuse ambulante chargée de nourrir ses invité·es autant que de les divertir. Ici, l’acte domestique de servir le repas est réinventé comme un moment spectaculaire et plein de joie, où l’hôtesse est à la fois sympathique et autoritaire, insistante lorsqu’on hésite à piocher dans ce qu’ael nous propose. 

Alors, on lui rend son sourire timidement, remercie, tend le bras vers le plateau d’argent et se saisit de la confiserie colorée qu’on suçote discrètement. Petit à petit, les bonbons dispersés, deux dômes gélatineux apparaissent. D’abord incomplets, on devine à peine ce dont il s’agit, on les effleure peut-être du rebord de la main, c’est un peu mou, ça rebondit… On esquisse un geste de recul d’abord, ou bien on rit, ou bien on pousse des Oh ! Ah ! Wow ! Une paire de seins en silicone est progressivement dévoilée. On peut y lire, scarifié :

“You better love me now”

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Emma Distel introduit Sadness is Rebellion, une performance évolutive de Rose-Mahé Cabel. Le silence se fait, une voix grave mêlée de piano résonne alors dans la salle :

“La tristesse est rébellion. Que les larmes soient notre révolution. Dans la confusion, nous nous connectons. Avec le miel, réceptacle-pot, les plantes, déposez-y vos peines. Je suis là pour ça. (…)” Rose-Mahé Cabel, Sadness is Rebellion

Et puis changement de rythme : aux premières notes vibrantes de Who is she ? de I Monster, Rose de Bordel apparaît. Rose, c’est un personnage drag créé par Rose-Mahé Cabel. La pratique du dragqueer est à lier chez Rose-Mahé Cabel à l’autofiction : une manière de se réinventer et de “réinitialiser les récits“. Ici Rose emprunte les traits des fées, figures importantes dans les mythologies écoqueer rurales. La créature elfique aux oreilles pointues, aux ailes harnachées, vêtu·e de latex tatoué, avance cérémonieusement vers le centre de la scène, tenant entre ses mains une jarre remplie de miel. Quelque chose change dans l’atmosphère, on se sent privilégié·e de surprendre cette présence inédite qui se déplace en légère suspension, comme sur le rebord d’une fougère ou d’un champignon immense ; sensation de voir ce qui d’habitude demeure caché, ce que l’on ne savait pas exister.

Les extraits de chansons pop s’enchaînent – clin d’œil à la scène drag – formant une playlist intense et éclectique. Rose-Mahé Cabel l’a composée en demandant aux personnes de son entourage de lui confier les chansons qui leur évoquent des moments de deuil, de tristesse, de rupture… Des chansons tristes, des “musiques madeleines de Proust”⁶ qui placent dans un état d’empathie celleux qui les écoutent. Cathartique : c’est bien ce dont il est question – “Se laisser affecter”. Sur les paroles de Simon & Garfunkel, Soko, Barbara, Anne Sylvestre, Kompromat… on regarde Rose renverser le pot de miel sur iel-même et laisser le liquide doré dégouliner sur son corps, son visage, ses ailes. Ce miel, Rose-Mahé Cabel le recueille iel-même avec patience et savoir-faire, l’élixir n’en n’est que plus précieux. Au cœur de la scène, la créature magique ne bouge presque plus, des gouttes épaisses coulent lentement le long de la peau et du latex. Une silhouette ou deux quittent le public pour lae rejoindre sur scène et déposer des fleurs séchées sur le corps offert. Rose est “là pour ça”. Les spectateurices ont trouvé à leur arrivée des fleurs séchées sur leurs chaises. Alors dans une ronde de quelques minutes, chacun·e franchit les trois marches qui séparent la salle de la scène pour venir déposer une fleur et avec, une peine, un chagrin, un souvenir, une pensée, une émotion, peut-être de la gêne ou de l’incompréhension, sur le corps enduit de miel.

It’s okay to cry, chante Sophie. Et Rose-Mahé Cabel, à travers Rose, met à disposition un espace-temps, une ambiance propice pour se recueillir ensemble, arborer nos blessures, nos larmes et prendre soin de nos deuils. Annoncée dès le titre, il y a une portée politique à mettre en avant la possibilité d’un deuil collectif. Sadness is Rebellion est un femmage – féminisation bienvenue du mot hommage – aux victimes de féminicides. On pense aussi aux victimes du SIDA et au travail de deuil collectif toujours nécessaire parmi nos communautés tpg et lgbtqia+. Selon les mots de l’artiste, Sadness is Rebellion, plutôt qu’une action, est une “réparaction collective”⁷.

“Prendre soin de nos mort·es, pour guérir les vivant·es. Prendre soin de nos deuils, se laisser affecter” Rose-Mahé Cabel, Sadness is Rebellion

Au micro de la critique d’art Camille Bardin, Rose-Mahé Cabel expliquait quelques mois auparavant la manière dont cette performance peut permettre de “passer d’un état tout à fait négatif à quelque chose de proactif, et de soin – personnel et collectif”⁸. C’est la métamorphose que Rose nous permet d’accomplir. Après lui avoir confié nos fleurs chargées de peines, nous repartons transformé·es puisque affecté·es par le deuil, peut-être allégé·es de ce que nous avons déposé sur son corps, et lié·es les un·es aux autres par cet acte de recueillement collectif. Grâce aux propriétés soignantes du miel, qui guérit les blessures tant intérieures qu’extérieures, Rose supporte la tristesse et les autres émotions jugées négatives liées au deuil. Iel rappelle aussi que ces états sont régénérateurs et énergisants, et que, ainsi pris en charge collectivement, ils peuvent être tout à fait salvateurs voire révolutionnaires. Dans un monde socialement abjecte et écologiquement condamné, prendre soin de nos deuils et de nos tristesses semble être la seule option lucide – pourtant empêchée par l’injonction capitaliste de la quête du bonheur permanent⁹. Accompagné·es par Rose, et comme en écho à la performance qui précédait, on accomplit l’acte révolutionnaire d’accepter d’être vulnérables ensemble, de laisser tomber les masques grâce à ce personnage dragqueer qui, magiquement, “est un masque qui retire tous les autres masques”⁷.

Rose recouvert·e de fleurs et de miel s’offre encore un peu à nos regards avant de lentement se relever et quitter la scène. Le temps ne reprend pas immédiatement, on reste encore un peu là, avec l’affect, les fleurs et le chagrin. Pendant plusieurs minutes, la voix de Sophie, chanteuse et icône trans décédée à 34 ans, nous enveloppe. Sur la scène, Rose a laissé ses ailes, ses fleurs et sa collecte de larmes, pour pouvoir permettre à Mahé de réémerger.

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Comme le miel qui guérit les blessures et les peines chez Rose-Mahé Cabel, Gral et ses bonbons nous sortent de l’état de tristesse dans lequel nous étions plongé·es. Si la tristesse est rébellion, le rire l’est peut-être tout autant, et ainsi un pont se tisse entre la performance de Rose-Mahé Cabel qui s’achève et les perturbations spectaculaires de Gral : toutes convoquent le soin et le partage des émotions. Gral, a priori, incarne le superflu, le rose, le rire, le léger, l’entracte, le sucre en poudre, l’extra qui fait sourire. Et pourtant la paire de seins tranchée découverte sur son plateau nous fait soudain basculer ailleurs : du côté du sanglant, du gore, de l’anatomique et du mythologique. Après un bref regard interloqué sur ces attributs (comestibles ?), on relève les yeux vers cellui qui nous les tend : Gral est Sainte Agathe, martyre du IIIème siècle représentée portant ses seins tranchés sur un plateau métallique¹⁰. Comme la plupart des martyres, Agathe est une “jeune femme très belle, qui [a] été amenée à refuser les avances d’un vieux mec puissant, pas très habitué à ce qu’on lui dise non, et qui s’est ensuite évertué à briser [sa] vie”¹¹. Dans all-you-can-eat, Sainte Agathe est trans et sort de sa posture de victime sacrifiée. Ael est belle, drôle, affirmé·e, fièr·e, charmant·e et puis, aussi, cannibale. 

Gral livre ici son corps sur un plateau et vous prie de déguster ce que la métamorphose nous réserve, en espérant que cela soit à votre goût. Gral, à propos de all you can eat

Ainsi réapproprié·e, Sainte Agathe met l’ambiance, ael fait le show, s’amuse, s’auto-détermine, utilise son corps comme ael l’entend, et se métamorphose à sa guise. 

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Emma Distel annonce Damien Rouxel et sa performance Métamorphe. On attend. Isaline Dupond Jacquemart et Samy Lagrange, depuis la régie, lancent un son qui s’étendra pendant plusieurs minutes : mécanique, répétitif, on hésite entre une pelle qui plonge dans un tas de grains, ou bien une brosse qui paille le sol. Damien Rouxel arrive depuis l’entrée de la salle, bottes aux pieds, combinaison grise ornée d’une tête de vache en ficelle bleue sur le dos, il se faufile entre les spectateurices jusqu’à la scène tandis que la voix diffusée compte inlassablement et sépare les bêtes en deux groupes : “1599 : mâle, 1600 : mâle, 1601 : femelle, 1602 : mâle“. Le décor est planté : le monde agricole – marginalisé – dont l’artiste est issu, et en sous-texte, celui du vieux monde – marginalisant – où tout est binarisé, classifié, hiérarchisé, y compris les individus. 

“Fils d’agriculteurs, Damien Rouxel a grandi à la ferme. Il connaît la dureté, les codes, les outils, le langage du monde paysan. Son travail plastique (photographie, vidéo, sculpture, installation et performance) vise à une réappropriation de la ferme pour la transformer en un terrain de jeu où les animaux, ses parents et sa sœur, les machines, les outils et tout ce qui constitue l’environnement de travail deviennent le décor et les acteur·trice.s de ses mises en scène.” Julie Crenn¹²

Sur scène, le corps du performeur prend des airs de machine. Les mains miment la gestuelle de la traite, le corps tourne sur lui-même à petits pas, toujours rythmé par le bruit des pelletées. C’est un corps au travail, automatisé, surmené. Mais soudain, dans la chorégraphie parfaitement maîtrisée, surgit un pas de côté¹³. 

“De l’agribashing à la queerophobie il n’y a qu’un pas. Celui du rejet de ce qui est identifié comme différent, ce que l’on se défend d’être, ou craint de devenir. En ayant grandi discordant dans un monde marginalisé et marginalisant, Damien Rouxel s’interroge inéluctablement sur l’Autre.” Julia Rajacic¹⁴

Car celui qui se tient sur scène est à la fois “producteur, exploitant“, et “produit, exploité“, et raconte aussi l’histoire d’une naissance où déjà l’humain et l’animal se mêlent. La métamorphose est enclenchée, elle annonce la fin du vieux monde qui la voit naître ; elle sera multiple et revendiquée ; elle sera monstrueuse et porteuse de fierté ; individuelle, elle s’adresse aussi à d’autres :

“Monstres, œuvrons pour le monde d’après.” Damien Rouxel, Métamorphe

La performance de Damien Rouxel est un rituel laitier de transformation. Bientôt le corps épuisé fond au sol pour rejoindre un sceau rempli de lait. La gestuelle rythmée de la traite devient lascive quand les jambes enserrent le sceau, les mains trempent dans le liquide blanc. Le lait gicle au bout des doigts et éclabousse tout autour. À quatre pattes au-dessus du sceau, humain et animal se mêlent, lait et sperme se confondent.

L’artiste se déplace en rampant vers le bord de scène, il se penche sur un masque cornu issu du moulage de son propre visage. Les masques maquillés de Damien Rouxel lui permettent de penser son visage comme un objet, ils ouvrent les possibles de comment transformer son visage, comment se fictionnaliser pour devenir autre, jouer de ces images, jouer de soi¹⁵. À la fois autre et soi, animal et humain, taureau et homme, monstre, la figure du Minotaure fait ici office de miroir. Le souffle de la bête recouvre presque la voix lorsque le performeur se penche au-dessus des trois marches rouges où le visage monstrueux, semblable mais différent, lui fait face. Ils s’effleurent, se contemplent, s’embrassent presque.

“Derrière mon masque d’enfant, je me dédoublais. Je sortais de mon propre corps.
Je devenais. Je jouais à être ce que je n’étais pas jusqu’à le devenir.
J’ai appris de nouveaux corps. J’ai développé mes possibilités. J’ai muté.” Damien Rouxel¹⁶

Pieds nus, l’artiste verse le cercle de lait qui accueille la suite du rituel transformateur. Comme en contrepoint d’un autre rituel d’onction, qui purifie, lave et “neutralise [les] différences“, le visage est immergé dans le lait qui transforme et sublime. 

“Les aspérités devenues perfections, je cache en mon sein de l’or.” Damien Rouxel, Métamorphe

Des gouttes blanches coulent le long de la barbe claire tandis que l’artiste se déshabille. Corps fem magnifique qui se déhanche, quatre prothèses viennent suggérer des rangées de mamelons. Vénus née de l’écume blanchâtre apparaît sur bruits de liquide versé. Le tableau de la naissance merveilleuse¹⁷ est dressé devant nous, et nous transporte dans le cosmique, le mythologique et le sublime.

“Nourri de ce divin liquide fertilisateur, celui-ci me confère la puissance nécessaire pour exister, lutter” Damien Rouxel, Métamorphe

Vénus sortie du lait est aussi pin-up et danseuse de revue ; l’apparition se pavane entre les spectateurices pour les laisser admirer sa beauté de déesse. Pendant ces quelques minutes de jeu avec le public, on devine chez Damien Rouxel tout le plaisir de la transformation, de la mise en scène de soi comme jeu, dont il parle souvent à propos de sa pratique : 

“Il y a un plaisir à se transformer, et à être traversé par ces figures là, et à les incarner, parce qu’en fait pour moi ça relève du jeu d’enfant, c’est une sorte de souvenir du jeu d’enfant, où en fait, quand on joue, on se crée son monde totalement. En fait je suis toujours un gosse !” Damien Rouxel¹⁸

La voix énonce les lignées revendiquées par la créature transformée : cousine d’un bestiaire de bêtes fécondes et nourricières – chèvre, louve, vache, taureau au sang chaud, “je suis ces vierges allaitantes aux excroissances gonflées” ; mais aussi sœur de celles qui comme elle, ont “fini dans les flammes“. La danse sensuelle s’accélère et se transforme, des meuglements s’élèvent, se mêlent au souffle lourd et au bruit du feu, le lait boue, le corps convulse, comme en transe, en souffrance. Un son long et strident signale une mort, et le corps s’effondre au sol, à bout de souffle. Cette mort, c’est celle d’un monde “où la fin est déjà arrivée“, celle du vieux monde. La métamorphose est inévitable. 

“Il ne s’agit plus ici de chercher à me déterminer. Je suis animal, je suis femme, je suis bête, je suis différent, je suis tout et surtout rien, je suis monstre. (…) Mon nom est Métamorphe.” Damien Rouxel, Métamorphe

Être métamorphe, c’est s’auto-identifier, s’affirmer dans sa multiplicité, refuser la détermination qui fixe et qui réduit, renverser l’insulte et la réhabiliter comme marque de puissance et de beauté. 

Pour encore quelques minutes, Damien Rouxel poursuit sa métamorphose en lisant une poignée de ses textes sur scène. On retient ces mots prononcés comme un sortilège empuissantant : 

“Je ne voulais pas être un bouseux, mais je l’étais. Je ne voulais pas être une princesse, mais je l’étais. Je ne voulais pas être un pédé, mais je l’étais. Je ne voulais pas être en détresse, mais je l’étais. Je ne voulais pas être un raté, mais je l’étais. Je ne dois pas être honteux, et je ne le suis plus.” Damien Rouxel, Je ne voulais pas… et je suis, 2020

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Gral / Saint·e Agathe resurgit un instant tout·e en malice et fierté d’offrir ses seins coupés. Au même moment, Aqua femme monte sur scène, accompagnée d’Isaline Dupond Jacquemart. En un geste, elle fait tomber au sol sa fourrure ; la sirène des terres et des mers expose ses écailles. Toustes les deux invitent le public à suivre le bruit des vagues jusqu’à une autre salle, où – ensemble et au son des dj sets – nous poursuivrons nos métamorphoses… 

 

1. ïan Larue, Libère-toi Cyborg ! Le pouvoir transformateur de la science-fiction féministe, 2018, Cambourakis, Paris, “Conclusion. Slogans cyborgs et féministes”, p. 229. [↩]
2. D’ailleurs la première occurrence de cette performance était diffusée en live sur Instagram. [↩]
3. Caroline Dejoie, “Une histoire du corps de la Déesse”, in Les Jaseuses, publié le 21/02/2022, https://lesjaseuses.hypotheses.org/4168. [↩]
4. Anne Creissels, Conférence-performance “Genre et art contemporain”, dans le cycle “Parole d’artistes”, Bibliothèque municipale de Lyon, 2013 https://www.bm-lyon.fr/spip.php?page=video&id_video=721 et Laboratoire de la contre-performance, Kit cabaret conceptuel ou comment devenir dépositaire d’un geste collectif, Diaporama de la conférence-performance présentée à Immanence Espace d’art, Paris, le 19 mai 2019, https://www.youtube.com/watch?v=ZgXakG0b0UA [↩]
5. Caroline Dejoie, Instagram, le 28 janvier 2023, https://www.instagram.com/p/Cn9fYrrjEi2/ [↩]
6. Rose Mahé Cabel, ITW Perform, podcast du Festival Perform, “Rose Mahe”, 19 août 2022, en ligne : https://soundcloud.com/festival-perform/itw-perform-rose-mahe?ref=clipboard&p=a&c=0&si=2bb19ce7a361403eaedd37d64740d532&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing [↩]
7. Rose-Mahé Cabel, idem. [↩] [↩]
8. Présent·e, podcast bi-mensuel sur l’art contemporain fondé par la critique d’art Camille Bardin. Épisode 33, “Rose-Mahé Cabel : Le dragqueer pour déjouer les binarismes”, mai 2022, en ligne : https://open.spotify.com/episode/69XtyGrn10KmZsbo2aRorm, consulté le 16/02/2023. [↩]
9. Camille Bardin parle d’happycratie dans Présent·e, idem. [↩]
10. Zurbarán, Sainte Agathe, entre 1635 et 1640, Musée Fabre, Montpellier [↩]
11. Hortense Belhôte, “Agathe the power, Sainte Agathe – Zurbarán”, épisode de Merci de ne pas toucher!, Arte, 2023, vidéo : https://www.arte.tv/fr/videos/106119-008-A/merci-de-ne-pas-toucher-agathe-the-power/ [↩]
12. Julie Crenn, journal de l’exposition “Agir dans son lieu”, 2022, Transpalette, Bourges, en ligne : https://crennjulie.com/2021/09/14/exposition-agir-dans-son-lieu-transpalette-bourges/ [↩]
13. Exposition “Pas de côté”, Centre culturel Le Reflet à Saint Berthevin, du 30 septembre au 3 décembre 2022 [↩]
14. Julia Rajacic, “Damien Rouxel. Paillette et pâturage”, in Boum!Bang!, publié le 27 juin 2020, en ligne : https://www.boumbang.com/damien-rouxel/ [↩]
15. Damien Rouxel – Atelier A / ADAGP, Thomas Gillot, février 2020, vidéo : https://www.youtube.com/watch?v=EJ3GcGAl5N8 [↩]
16. Damien Rouxel, Instagram, le 29 janvier 2023, https://www.instagram.com/p/CoAqUCbLpqw/?hl=fr [↩]
17. Sandro Botticelli, La naissance de Vénus, 1484-1485, Galerie des Offices, Florence. [↩]
18. Damien Rouxel dans Atelier A / ADAGP, vidéo, op.cit. [↩]

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